情報誌 毎月22日発行

8月号 / 2009

:今月の表紙 大川原亮さん

09.08.18


アーティスト 大川原亮さん

アーティスト 大川原亮さん
Ryo OOKAWARA

プロフィール

1986年横浜市生まれ。多摩美術大学グラフィックデザイン学科卒業。奥田昌輝、小川雄太郎との合作『オーケストラ』が、2008年飛騨メルヘンアニメコンテスト優秀賞受賞、09年第12回文化庁メディア芸術祭アニメーション部門審査員会推薦選出、第6回テヘラン国際アニメーション映画祭ノミネート、東京国際アニメフェア2009東京アニメアワード公募部門入選、アヌシー国際アニメーション映画祭2009学生部門ノミネートなど、高く評価されている。現在、東京藝術大学大学院映像研究科アニメーション専攻在学中。

大川原亮さん作品
「insomniac」「アニマルダンス」上映情報


◆「insomniac」

ヨコハマ国際映像祭2009 セレクションプログラム
「現代日本のアニメーション集」山村浩二セレクション
日時:2009/11/7(土)15時、11/23(月・祝)15時
会場:東京藝術大学大学院映像研究科馬車道校舎

◆「アニマルダンス」

ヨコハマ国際映像祭2009 コンペティションプログラム
「CREAMコンペティション国内短編作品」
日時:2009/11/8(日)12時
場所:東京藝術大学大学院映像研究科馬車道校舎

<トーク出演>
ヨコハマ国際映像祭2009
「現代日本のアニメーション集」山村浩二セレクション
11/23(月・祝)15時の回が上映終了後
出演:山村浩二×大川原亮×佐藤文郎(映像作家)

詳細→ヨコハマ国際映像祭2009

山村浩二の「私が推薦しました!」

リズムは目には見えないが、原子の振動から、惑星の軌道、生き物の呼吸、鼓動、歩きなど、世界や、生きていることに直結している感覚である。アニメーションで重要な要素のひとつは、この現実と作品を繋ぐリズムである。大川原作品は、リズムを創造することが、アニメーションの創作そのものだということを意識させてくれる。もっと彼のような作家がいてもいいと思うのだが、実際それを目指している人も、成立している人も稀なのだ。


大川原亮、奥田昌輝、小川雄太郎《Orchestra》、2008年、6分40秒、アニメーション


大川原亮《insomniac》2009年、2分30秒、アニメーション


大川原亮《アニマルダンス》2009年、5分10秒、アニメーション

※「ヨコハマ・アートナビ」では、東京藝術大学大学院映像研究科の協力により、若手アニメーション作家をご紹介しています。毎月、登場する作家は、『頭山』や『カフカ田舎医者』で世界最高峰のアニメーション映画祭のグランプリを多数受賞した、山村浩二さんによるセレクション。2009年5月より、作家のインタビューとともに動画を配信しています。(~2010年4月)

軽快なメロディにキャラクターの動きが気持ちよくシンクロする、そんな躍動感あふれるアニメーションを作る大川原さんは、現在、横浜の東京藝術大学大学院生。さらに研鑽を積む大川原さんにお話を伺いました。

情報誌「ヨコハマ・アートナビ」平成21年8月号表紙掲載作品
《アニマルダンス》2009年、5分10秒、アニメーション

生きるうえでの動作全てをダンスといえないか...

曲がすごくいいですね。どうしてあの曲を選んだんですか?
実は、昔からモーツァルトのピアノ・ソナタの第14番を使いたいと思っていて、できるだけそれに近い曲を探していたんです。でも結果的に全然違うんですけど(笑)
音楽がお好きなんですか?
好きです。エレクトロニカとかロックとかクラシック、ヒップポップとかも聴くんですよ。
じゃあ、音楽にはこだわっている?

いや、ただ好きなだけです。詳しいわけでもないし。

アニマルダンスは、曲からイメージが膨らんだんですか?それとも作品から曲のイメージが沸いたんですか?
そのへんは、どちらかに100%というわけではないですね。もともと自分の中で、アニメーションの醍醐味のようなものとして、「動くこと」と「変化すること」を位置づけていたんです。そこで「動き」を表現しようと考えたときに、ふと、生きるうえでの動作全てをダンスといえないか、と考えたんです。
色々ありますもんね。生き物が普通に生きてる時の動作もあれば、求愛ダンスとか祈りのダンスとか。"アニマル"にはすべての生き物、人間も含まれるイメージですか?
はい、人間も。すべての生き物の根源にはリズムがあると思うんです。
作品の中には、体の動きだけでなく、細胞だったり心臓だったり、子宮の中の胎児だったり、目に見えるものだけでなく、体の内側にあるものがでてくるんですけど、その意図は?
そうですね。やはり、生き物の動作を追っていくと、生きることと死ぬことが万物に共通していえることだと思うんです。同時にそれは、生き物が起こす動作であって、流れ、動きであると思ったので、生きることと死ぬことがテーマの中に入ってきた時に、胎児や生き物を構成する細胞なども発想として出てきたのかなって、今、思いました。
作品は効果音などを使うのではなく、その曲の持っている持ち味が生かされていますが...
曲が脚本みたいなもので。例えば、ベートーヴェンとかすごいんですよ。人を絶対に離さない曲ってあるんですね。そういう曲の中にある強弱というか、脚本を拾っていくだけでも面白いことができるんです。
曲と映像をシンクロさせることに、こだわりはあるのですか?
今までなぜそれをやってきたかというと、音と動きが同調したときって、すごく気持ちがいいんですよ。快感というか、気持ちいい動きがそこに生まれるんです。そこに魅力を感じてたっていう。

流れの中でより多くの情報を表現できる

大川原さんの作品は、目に特徴があると思ったんですけど、目をパーツとして何か意識してますか?
あれは、ギリシャの壷絵というのがあって、赤絵と黒絵っていうのがあるんですけど、黒絵は、赤い地に人のかたちとか黒く焼き付ける方法で、赤絵はその逆なんですが、その絵図がルーツになっています。エジプトの壁画もそうですが、横から見た姿なのに顔や目が正面を向いているような絵が多いと思うんですけど、その方向性を定めないというか、骨格がないというか、それが変容するのに適しているんです。
先ほどおっしゃっていたアニメーションの醍醐味「変化すること」につながっていくということですね?
そうです。うまく関節を描くとか顔のフォルムを描くとか、そんなことは全然必要ない。この作品にはいらないと思っていて。
アニメーションの中で、絵が動いたら単純に面白いってわかるんですけど、いろんなかたちに変化していく変容するというのは、ただ単純に絵が動くのとは違った面白さがあると思うんですけど...。
それは、メタモルフォーゼ(生物学でいう変態、変身を意味するラテン語。アニメーションでは自在に変形変身する動きを指し示す)の醍醐味は何かという話になると思うんですが、ひとつは、認識の移行がわかるというか、かたちがぱっと変わるんじゃなくて、その経過が描かれている、認識しつつ変わっていくということです。どの時点で次の形に見えるかは、個々それぞれで違いがあると思うんですけど、見ている人とその時間を共有できる面白さはあると思いますね。それから、メタモルフォーゼというのは連続性であって、ものとものが切れないことによってつながっている、すべて連鎖していくっていう...。連鎖していくというのは、カットで割るのとすごく違うと思うんです。難しいな。何て言ったらいいんですかね。流れの中でより多くの情報を表現できるというか。思考っていうのは、カットで割っていくと途切れることがあるんです。連続性の中でいろんなものが映るっていうのが面白いところかなと。うまく言えなくてすみません。
なるほど。アニマルダンスを見て、次から次へと人間や動物が出てきて、生まれたり、鳥がねずみをついばんで死んだりとか、つながりつつ、色んな生態系を見せつつも、最後はいろんな動物が合わさって何だかわかんない生き物になって終わっちゃうみたいなところが、結局、命ってつながっているんだなぁって感じたんですけど...。そんな命のつながりみたいなこと考えました?
ひとつの生態系でひとつの生命体のようなイメージがあって...。食物連鎖ってそういうことだと思うんです。順繰り回ってる。命というテーマが入ってきた時点で、そういうことを考えて、ちょっと残酷なシーンもあえて入れたんです。食物連鎖を描いているわけではないんですけど、生態系でひとつの生命体っていうイメージはありました。なので、そう感じてもらえてすごくうれしいです。
終わり方をどうするか、悩みませんでした?
実は今も悩んでいて、もしかしたらまたちょっと変わるかも知れないです。今は、男女が抱き合っているシーンで終わるんですけど...。基本的には「愛」というか、温かい終わり方で愛を表現したいなっていうのがあります。動物の中にもあると思うんでけど、もちろん人間にも愛がいっぱいあって。それをどう集約するかということに悩んでいて。
いいですね。これは卒業制作に作ったんでしたよね。1回作ったものを変えてしまうということはよくあることなんですか?
あんまりしないんですけど、今回に限っては色々...。締切を守ってないっていうのもあるんですけど(笑)もともと多摩美の卒業制作なんで、1月には終っていなければいけないんです。でも、大学院に入ってからもちょっとずつ作り続けてて、今回、ヨコハマ・アートナビがひとつの締切になったんですけど。(笑)でもまだ、ちょっと悩んでます。
最後を愛があるような温かい感じで終わらせたいって、難しそうですもんね。とことん悩みたいところですね。楽しみです。ところで人が鳥のように羽ばたいている、あれは人ですか?
あれは人です。イメージの世界なんですけど、人や地上に生きている動物の憧れっていうのは、空を飛ぶことだと思うんです。自分にもそういう傾向があって空が好きなんですけど、その自由への願望のようなものをアニメーションでやってみようって。アニメーションには制約がないので羽ばたくこともできる。その特性を生かしたものを表現したいと思ったんですね。
空が好きなんですね。どんな空が好きですか?
夕焼けが好きですね。ちょっと奥のほうは暗くって、青とオレンジのグラデーションができているような。
空を飛んでみたい?
もちろん、飛びたいです!

辛くて面白い ~アニメーションの魅力~

アニメーションを作ろうと思ったきっかけは?いつごろから?
多摩美術大学のグラフィックデザイン学科は、大学2年のときに、必修でアニメーションがあるんです。1ヶ月くらいしか時間がないんですけど、その中でみんなそれぞれのイラストレーションを動かしてみるんです。僕はその時に漫画チックな絵を描いていたんですけど、その絵が気に入らなくて。これは表現じゃないって思ってたんです。でも、アニメーションにして動かしたときに、すごくいきいきしたというか、まさに命が宿ったというか。そういう充実感があって、やりたいと思ったんです。でも、もともとはグラフィックデザイナーになりたかったんで、そこでは決めかねているところがあって...で、後期にまたアニメーションを作るんですけど、習作なんですけど、後期のほうでは、すごく個人的な作品をつくったんです。そこで、アニメーションを作って自己表現することは、辛くて面白いんだということがわかったんです。グラフィックは表現よりも制約を楽しむというところがあるじゃないですか、それよりももっと、自分が思うことを表現することのほうが辛くて面白いと。それで、3年生から本格的にやろうって思いました。
個人的な作品とはどんな?

ほんと暗いんですよ。道徳についてのようなテーマで。傍観し続ける人間を主人公に。

世の中のことをまぜつつ、個人的なこともまぜつつ、最後はクマちゃんが爆発して死んでしまうんですけど、それでも傍観者は、何も動じないっていう作品。終わったあとすごく苦しくて、人に見せたくないんですよ。じゃ、これは何なんだろう?作ったこれは人に見せたくないなんて...それで表現というものを真剣に考えるようになって、主体性と社会性とかそういうものを考えつつ、自分をどう表現していくかっていうことに興味を持ったというか。
辛くて、面白いと思った時はどんな時だったんですか?
一部のシーンでは、満足感を得るような表現ができて。テーマが間違ってたんですけど、表現の部分でいいところがあって、そういう部分に自分自身が惹かれていったというか、そういうところが面白い、やっていきたいなと思ったところです。
それは1枚の静止した絵では、得られなかった満足感がアニメーションにはあったということですか?

そうですね。

やっぱり、動くことが大きかったんですかね。
そう思いますね。時間を人と共有できるというものありますね。
小さい頃から絵は描いていたんですか?
幼稚園の頃から絵ばっかり描いてましたね。お絵かき教室にも行っていて、水彩とかクレヨンとかで絵を描いてました。半分病気なんですよ。紙とペンがあったら絶対何か描いてますね。小学校から高校までは運動をやってて、それで結局は美大に行って...。
自分の作品を見た方の感想でうれしかったコメントはありますか?
卒業制作展で、初めてスクリーンで人に見せたんです。もともと作品は、スクリーンで上映するっていうのを前提に作っていて、キャラクターも大きくて、全体的に黒で光を遮断して、より画面の黒と光の割合を激しくしているというか、それは迫力というか、ダイナミズムにつなげたいという意味で。見る人にとっては、チカチカしてしまうと思うんですけど「迫力があった」って言ってくれた人がいて...。それは自分の意図通りで良かったです。
迫力を出したかった?
ダイナミズムですね。力強さ、太さというか。
それはさっきの生きるとか、死ぬとかそういうのを扱っているから?
そうですね。生命の力強さっていうのもあるし、躍動感っていう意味もあるし。

五十音順でとなり会った3人

3人で作られた作品「オーケストラ」について聞かせてください。3人が集まったきかっけは?
多摩美のグラフィックデザインの同じクラスだったんです。名前が五十音順で、みんな「お」から始まる名前で。
3人でつくろうと思ったのはなぜですか?
小川が「フニャズム」という絵を描いていたことから始まったんです。フニャズムは最初、古い五線譜に殴り描いていたんです。それを見せてもらったのが3年生の春休みでした。みんなは就活が忙しい時期で、3人は就職しないって決めていたんで、この時間に何かやらなきゃってことで、フニャズムでアニメーションを作ろうと。その五線譜のイメージもあったので、テーマが「オーケストラ」に決まったんです。
選曲は?
選曲は、奥田が3人の中ではクラシックに詳しくて、尺的な問題もあるので、何曲か選曲してもらって、それを3人で聴いて選んだって感じです。
作品が入賞したときのお気持ちはいかがでしたか?
すごくうれしいかったです。モチベーションになるんで。うれしいんですけど、机に向かって描かなきゃいけないっていうことは変わらないっていう。あまり自分は変わらないです。でも、評価はうれしいです。招待されるのは、楽しくていいですね。
作品が完成したときに「これはいけるな!」って思いました?
作る前から確信はあったんです。フニャズムでやれば、それなりに評価が得られるだろうって。あの絵は、アニメーションに向いていて、特にメタモルフォーゼにすごく適しているんですね。かたちをしっかりアウトラインで描かないので、いくらでも混ざっていけるという特徴があって、そういうのを生かしたアニメートをすれば、絶対にいいものができるっていう確信があったんです。最初は広島(広島国際アニメーションフェスティバル)でもコンペインを狙って出したんですけれども、コンペには入らなくて...。
今後ですが、大学院の1年生で1作品、あとは修了制作で1作品作るんですよね。とり組んでみようと思っているテーマは決まってっていますか?あるいは、こういうのをやってみたいとか。
やってみたいのは漠然とですが、今度は音楽とシンクロじゃなくて、ユーモアを感じるような作品をつくってみたいし、いろんな色も使いたいというのがあります。
ユーモアというのは、なぜ?
明るくて、楽しいから...というのもありますが、"自分の表現を"って考え始めると、固くなってしまうところがあるので、一度壊したいんです。
今後も3人で制作される予定はあるのですか?それとも一人で?
基本的には一人でやっていくんですけど、オーケストラの3人とはこれからやりたいと思っている企画がいくつか上がっていて、あとはいつやるかってところですね。みんな忙しいので。
自分だけで作るのと3人でつくるのとでは違いますか?
だいぶ違いますね。一人のときは、監督もすべて自分ひとりなので、すべてのことを自分ひとりで判断して、しっかりとした理論に応じた構築というか、説明ができなきゃいけないってことですね。それが結構大変で、でも、それだからやりがいがあるというのはあります。3人監督だと、3人に平等に決定権があるので、喧嘩するというか、ぶつかり合いというかそういうストレスはあるんですけど、人と話して確認しながら進んでいくと、すべてを確認しながら進めることができるというか、しゃべるっていうのは大事なんですね。それを忘れないで3人で話し合いながらやると、ちゃんとプロセスを踏んで作っていけるというか、隙がなくなっていくというか、自分じゃ気付かない隙があるので、そういうところを指摘し合えるっていうのが、とても重要だなと思いますね。
いい関係ですね。アニマルダンスに関して、他のふたりからは何か言われました?
結構つっこまれました。でもそういうことを話し合っていくと、その作品をちゃんと説明できるようになるので、ありがたいですね。

(2009年6月 横浜にて)


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